在画廊Gallery All本月开幕的雕塑群展上，一只初看上去意味不明的作品映入眼帘：穿着运动鞋的小男孩骑着大鸟穿梭于菊花丛，花丛中迸射出珍贵的三文鱼籽珠。某种程度上，这个名为《春天》的雕塑正是艺术家James Jean（中文名为简明）的人生写照，一边是西方的扩张与人定胜天，一边是东亚的和谐与集体主义，他位于两者中间，难以找到归属之地。
在竞争激烈的艺术界，他的成名之路稍显特别。简明是一位亚裔美籍艺术家，3岁随父母从中国台湾地区移居美国，如今定居洛杉矶。他的作品涵盖插画、绘画、雕塑和设计领域，曾担任DC漫画杂志《Fables》的封面插画师，也凭借与Prada等奢侈品牌合作、为《瞬息全宇宙》《水形物语》和《银翼杀手2049》等好莱坞电影创作海报收获了颇高的知名度。早年间，他那些著名的速写在网上广为流传，也激励了许多立志从艺的年轻人。2008年从插画领域淡出后，简明的创作重心转为油画与纯艺术，并涉足NFT艺术领域，也被称作“村上隆的接班人”。
《春天》，2023，不锈钢，镜面，磨砂，200h x 151w x 157d cm。图片来源：Gallery All
对于简明的粉丝来说，其作品的魅力在于梦幻般细腻的线条和色彩，以及犹如现世寓言的复杂画面。在从业早期，简明就在一个游离于东西方的文化环境中寻找自己的身份，他也致力于将当代题材与中国传统卷轴画、日本木版画、文艺复兴肖像画等相融合，并从中提炼人类的集体经验。所以，简明作品中的人物总像是半梦半醒、半人半神，纯真中透露出阴暗诡谲，他称它们为“文化中的变异者”，就像他本人那样。
或许最难能可贵的是，在有时心浮气躁的艺术世界，简明并不想丢弃传统绘画中的灵韵，也无意抛出炫目的概念。他的工作方法更接近心理学家荣格，不断地吸取信息与各时代的神话，然后经由潜意识，表达出某种普遍真理。
简明在采访现场。图片来源：Gallery All
在Gallery All的群展《日落大道66号》于4月初开幕后的一天早上，当界面文化（ID：booksandfun）记者在上海余姚路见到简明，他拿出最新的速写本笑着说，“以前的速写必须画得好看，有炫技意味，现在则是为成品绘制的、真正的速写。”当初那个坊间的“大神”，如今变得更沉稳内敛和自信。
在采访中，简明聊到了创作《瞬息全宇宙》海报的故事，他不断飘浮的身份、当代人的离散体验以及对荣格的喜爱。即使身为成功的艺术家，作为亚裔美国人的他仍然要面对许多困难，并不断跨越阻拦。
简明在采访现场。图片来源：Gallery All 01现如今，离散是一种全球性经验
界面文化：你通常以绘画作品著称，不过这次展览带来了近期的雕塑作品，它们似乎与人类/自然、东方/西方的关系有关。可以介绍下其中的想法吗？
简明： 那个名为《春天》的雕塑就是一个很好的例子，它一方面体现了西方的“天定命运”理念（指19世纪美国定居者持有的一种信念，认为美国被上帝赋予了扩张北美洲大陆的天命），它是非常个人主义的，关于英雄如何征服和夺取土地。相比之下，原住民或东方人更加集体主义，更注重与自然和谐相处。
你可以看到小男孩正在用缰绳控制一只鸟，而那些像三文鱼卵的球体大概指向的是路易斯和克拉克探险队。作为美国早期的探险家，他们曾经穿过河流，试图找出三文鱼的源头，利用美洲原住民的知识开发自然资源。我脑海中浮现出这样的画面：一朵菊花绽放，鱼卵从菊花中孵化出来，然后男孩利用鸟类的力量，提取出这些珍贵的球体，就像取出石油一样。我很喜欢这种意想不到的、超现实的组合，有一种唤起情感和回忆的力量。
我长期生活在美国，但也曾在亚洲生活了很长时间，所以我的家庭也同时体现了个人与集体的结合。我的儿子在美国上学，所有人都自由地跑来跑去，教室里也没有课桌，但是当他去到日本学校，大家都很安静，也有很多规矩。事实上，很多孩子都能适应这种规矩和结构，完全没有结构反而会让人抓狂——这和我的工作方式也很相似，有时我喜欢结构，有时我想有更多自由，这两者都很重要。
SPRINGAcrylic on Canvas, 36 x 48”, 2020.
界面文化：在你更早期的作品中，族群之间的冲突还不是很明显，你说过，“随着作品的成熟，我将以一种更直接、更容易识别的方式来解决被压抑的文化冲突。”为什么会产生这样的变化呢？
简明： 我说这句话的时候应该是新冠疫情期间，当时发生了巨大的社会动荡，还有很多抗议活动。由于每个人都被困在屋子里，很多社会问题反而被推到了风口浪尖，尤其是美国的黑人性命攸关（Black Lives Matter）运动，也有很多人用社交媒体来伸张正义。而对于亚裔来说，一方面人们开始努力争取更多亚裔美国人的代表，尤其是在洛杉矶；但与此同时在旧金山和纽约，又有很多亚裔老年人受到攻击。我认为，比起其他族群我们的声量没有那么大，也不够有组织性，但是我们不得不真正开始面对这种局面了，所以我才说出那句话。
其实，我的艺术生涯已经充满了与之相关的挣扎，尽管外人看来我很成功，但是对于一名亚裔美国男性艺术家来说，还是要面临很多阻碍。这也解释了为什么我做了很多商业合作、电影海报，因为在美国，亚裔艺术家们要得到美术馆或机构支持相对较难，所以不得不做别的事来吸引更多观众、让作品走出去。
但是另一方面，抗议不公是很重要，但最好的方法还是让事情自然发生，而不是为了某个主题而创作，或者把自己撞得头破血流。我基本上只是顺势而为，我的作品流向哪里、在哪里受到欢迎，我就去哪里，我也很高兴能通过与各种亚裔美国人组织合作，来提高人们对于亚裔族群的认识，创作《瞬息全宇宙》的电影海报就是这样。把我的作品带到亚洲也是如此，我可以在亚洲举办大型的美术馆展览，但在美国要做到这一点要困难得多。
界面文化：这还让我挺惊讶的，在我的印象里，许多人是因为你为奥斯卡获奖影片创作的海报，以及跟Prada等奢侈品牌的合作认识你的，那些都是很棒的作品。但是这些作品其实隐含着身份障碍的问题？
简明： 是的，在我成长的过程中，总会看到这个艺术家做了很棒的展览，那个艺术家的作品在博览会展出了，而这一切并没有发生在我身上。而且自从开始独立做项目，我跟艺术系统的分离就越来越明显了，因为在艺术界生存需要各种各样的关系，我又没有在这个系统中运作，所以很多事情都得自己来。现在我45岁，心态也平和了不少，我知道我只能靠自己，没人会真正帮我。
虽然我一直觉得要是有画廊代理或者美术馆的支持就好了，但我也很感激自己能另辟蹊径而不是遵循传统道路，因为一旦被系统接纳，就会依赖于系统，而且总有被淘汰的危险。即使我游离于体系之外，回过头来看，这就是我的道路，独一无二的道路。归根结底，这事关自由，以及能够选择并完成那些有趣的、与我的天赋相契合的项目。
GARDENMixed Media on Two Canvases, 142 x 80”, 2021.
图片来源：Gallery All
HARMONYAcrylic on Canvas, 80 x 60”, 2021.
界面文化：你曾把自己描述为一个“漂浮者”，这既与美籍亚裔的移民身份有关，也与商业艺术和纯艺术之间的游移有关。随着你不断在作品中回溯东亚文化源头，这种感觉发生了怎样的变化？
简明： 我认为随着全球化，现如今这种漂浮不定、没有固定身份或归属的感觉非常普遍，但对儿时的我来说并不是这样。我三岁时从中国台湾地区搬到美国，直到现在都有一种深刻的身份失落，因为我的中文很差，我很希望能更好地保护自己的语言，但是美国文化会殖民你的思想、接管你的文化身份。再加上我并不生活在一个文化飞地，而是住在以白人、犹太人和意大利人为主的社区，我父母也希望我融入其中、成为美国人。这和在西海岸长大很不同，那里的亚裔社区发达得多，亚洲餐馆、杂货店也被保存得很好，这也导致了我现在没法真正归属于任何地方。
但是自从有了社交媒体，我们能看到别人的生活，由此产生各种想法。尤其对于年轻人来说，他们总是有一种焦虑和不自在感，总有冲动想要离开、去探索自己的命运。其实，我父母就是这么做的，他们为了更好的生活离开了中国台湾地区，而这又有点讽刺，因为我的一些朋友已经搬回了中国台湾地区——尽管家人们把他们带到美国，但他们最终还是回到亚洲，并过上了更成功的生活。
自从我创造了“衍生”（Descendent，意为“坠落”，发音和descenndant相似，而后者有“后裔”的意思）这个角色，我就意识到“离散”是一个普遍的主题，很多人都有过离开家乡，移居到另一种文化中的经历。这带来了飘浮的感受，但是这种持续的追寻也带来了创造力，你永远不知道自己的路会通向何方。你以为你已经有了一个想法，但它总是会以意想不到的方式发展。
界面文化：这或许也是你的作品的吸引力所在。很多观众都有过离散的经验，但是又难以描述这种感觉，直到在你的作品中感到共鸣？
简明： 在我早期的创作中，能看到很多美国流行文化的影响，比如漫画书、动画。但是我也喜欢东方艺术，以及各种原住民艺术，我觉得自己和这类创造力之间有种亲近感，它们来自于对精神或另一维度世界的描述，并展现在服装、壁画、纺织品的图案中。这些都汇集在我的速写本里。我认为，这些速写之所以吸引了大量观众，正是因为它描绘了一种直观的感觉，而这种感觉是人类共通的。
DESCENDENT IAcrylic on Canvas, 36 x 48”, 2019.
图片来源：Gallery All
DESCENDENT IIIAcrylic on Canvas, 36 x 48”, 2019.
界面文化：让我们聊一聊《瞬息全宇宙》的海报吧。作为美籍华裔，让你来创作电影的海报再合适不过，“everything everywhere all at once”也如同你作品的写照——其中混杂着不同文化和元素，但是混乱中又有片刻的安宁。可以讲讲创作海报的故事吗？这部电影和你本人产生了怎样的连接？
简明： 我很幸运能与丹尼尔·施纳特、吉尔莫·德尔·托罗（《水形物语》的导演）等人直接共事。至于这幅海报的源起，最开始是A24以及跟他们合作制作海报的代理公司联系了我，把我加进了想合作的艺术家名单，并且给我看了电影的粗剪版本。在创作过程中我主要和代理公司合作，不过最终我和杨紫琼、导演丹尼尔见了面，也很开心能被这个剧组接纳。
关于你说的感觉，我觉得每个人在内心深处都有这些不同的元素、想法和感受。我不知道这是否比较像亚洲人的观点，当我创作时，我一直在努力实现一种平衡。许多人会问我，你怎么知道一幅作品算是完成了？但对我来说，作品在完成时，它的构图和其中的元素会达到一种平衡，让人感觉没有什么可以再做的了。
《瞬息全宇宙》的海报就是这样，其中有很多人物、主题、道具和符号，同时被包含在一个类似于西斯廷天顶壁画的结构中，让人感觉平衡，我很喜欢的18世纪意大利画家提埃坡罗就曾画过这类壁画。从这个角度出发，人物就可以朝向不同方向发展，像是当你仰望天空或宇宙，也没有上下左右之分。你看，最下面的杨紫琼伸出双臂正在寻找着什么，此时她还不知道发生了什么，当你转动海报，会发现最上面也有一个杨紫琼，而她已经实现了自己的命运，正在引导和宣示自己的力量。当你继续转动，会看到所有人物都出场了，故事也变得清晰，但是它最初只是一个圆形，像一只眼睛或黑洞那样吸引着你，这也呼应了贝果的形状。
《瞬息全宇宙》海报。图片来源：豆瓣
我很喜欢创作电影海报，它有一种特别的感觉，跟架上绘画、插画或者时尚品牌合作都不一样。因为影迷们看完电影后，也会随之对电影海报的图像产生依恋，海报也是观影经历中有趣的一环。
界面文化：有些中国国内的观众在看这部影片时，会觉得剧情有点过于混乱和困惑，但是对于你或者其他移民美国的人来说，这种混乱感的意义应该是很不同的？
简明： 是的，我成为丹尼尔的粉丝已经很久了，也非常熟悉他的音乐录影带和电影作品。我们有相似的成长背景和经历，所以这应该有助于我理解和欣赏这部影片。它看似杂乱无章，但这个故事实际上让我想起我父母作为移民的那种挣扎，以及父母和孩子之间的距离感。虽然代际冲突很常见，但是它在电影中呈现的方式很符合美国人的成长经历，很贴近我的生活。
界面文化：近几年的亚裔主题的剧集电影都在尝试突破刻板印象，比如《怒呛人生》《摘金奇缘》《瞬息全宇宙》。作为艺术家，你是如何在作品中反抗对于美籍亚裔的刻板印象的？艺术领域的努力与之相比有怎样的不同呢？
简明： 我不确定自己是否真有这么大的责任去“反抗”刻板印象，但我认为《怒呛人生》的精彩之处在于，它展现了很真实的经历，这是一种非常具体的生活，是去教堂的韩裔美国人和亚裔美国企业家之间的对比，而不是刻意的“亚裔美国人主题”。观众可能会在故事背景中感受到微妙的族群冲突的暗示，但这个故事首先是关于这些独特的人物以及他们的旅程的。
对我来说也是同样。我不想说教或者表现得太明显，我只是不由自主地做我自己，创作作品时，我也希望真实感能贯穿始终，最终，我想这种真实的身份认同能够抵达它的受众。
03创作的过程是对未知世界的祈祷
界面文化：回到人类共通经验这一点，你曾经说过，你希望通过作品表达一个集体的神话，你是从什么时候意识到这一点的？我记得你很喜欢荣格，他的理念怎样影响了你的创作？
简明： 我认为这是每个人的天性，荣格也谈论过集体无意识、继承祖先记忆的问题，所以我从来没有刻意挖掘过它，它只是自然而然地发生了。我还听说过“形态共振”这个词，意思是我们都分享着宇宙的振动，以及图像和记忆。
比如说，我有一幅叫做《旅行者》的作品，这其实是受人委托创作的，画中的女孩骑在独角兽身上，独角兽用角搅动着地上的泥浆，周围还有青蛙之类的两栖动物。完成这幅作品的几个月后，我去了洛杉矶当代艺术博物馆，看到了一幅来自15世纪的古老蚀刻画，作者是一位名叫亨德里克·洪第乌斯（Hendrick Hondius）的荷兰艺术家，我惊讶地发现那幅画的构图和我的一模一样，也是独角兽伸进沼泽，旁边有蜥蜴等动物。
我此前也谈到过，这种感觉就像是自己在通过作品穿越时空，通往另一个维度，因为在当代艺术世界的背景下，这些作品经常感觉格格不入和过时。也许洪第乌斯的回声仍然存在于宇宙的形态共振中，我潜意识地继承了他的画面记忆。
TRAVELERAcrylic on Canvas, 48 x 36”, 2018.
另一个类似的作品是《樵木》，其中的形象随着时间推移有过演变，一开始是背着木柴的老人，后来变成女人，再后来变成小男孩。我意识到，这真的很像我在日本见过的一座雕塑，雕塑中背着木柴、手拿一本书的男孩是日本江户时代的著名思想家二宫尊德，他做了很多教育农民如何记账之类的事情，象征着自我教育和自我完善。所以，我的作品会和很多历史人物或过去的作品相呼应，而且它们都是偶然发生的。
在荣格的《红书》中，一个非常具有启发性的部分是它告诉了你如何拥抱直觉，如何创造出从直觉而来的符号。但我从中感受到的可能不是“启发”，而是一种真正的亲缘关系，因为我在画速写时，经常不知道它们从何处而来，更像是在探索内心的风景。画画时，我会让梦境发生，形状和图像会自然出现在画面中，从一步引出下一步，但我永远不知道最终的画面会是什么样子。
KINDLING IIIAcrylic on Canvas, 48 x 60”, 2020.
图片来源：Gallery All
THE WOODCUTTER
Stainless steel sculpture finished with automotive lacquer and 24k gold leaf, 70 x 40 x 40”, Edition of 3, 2021.
界面文化：那最终的画面能达到你所说的直觉吗？
简明： 这的确是一个充满挑战的过程，因为我总是要和意识作斗争。画画时我会进入不同的阶段，用颜料绘画时通常不会想太多，而是进入一种全自动的心流状态，就像是一台机器；画素描线条时就不得不思考了，但同时，我也在尝试不去思考，就这样反复挣扎，那些画上又擦除的痕迹就体现了这种挣扎。所以，我从来不能画一遍就过，必须花时间才能达到想要的效果。
很多人问我会不会嗑迷幻药？但我并没有，我还是想尽量保持平静，不喜欢太情绪高涨的状态，也不想用药物来帮助自己。
界面文化：你的作品经常让我想到塔罗牌中的形象——比如圣母般的女子、纯真的孩童、反复出现的动物植物，它们都表达了潜意识中的普遍神话原型，此次展出的雕塑《太阳塔罗牌·木》就直接以塔罗为主题。你觉得自己的工作和塔罗占卜者相似吗？与祈祷或占卜活动相比，艺术的特殊性是什么？
简明： 我认为创作的过程几乎是一个奇迹，这是对未知世界的祈祷，让灵感流过你的身体，然后创造出一些实物，让其他人也能享受和参与到这一宇宙交流的循环中。对我来说，我总是想找到一种方法，通过作品来引导神圣的能量。
我并不特别信教，也不是塔罗牌专家，但是我们的意识运作方式真的很特别，它让我们能够从无法理解之处创造出一些什么。关于《太阳塔罗牌-木》，我觉得它很有趣，因为不同的元素之间会产生冲突，比如她的身上生长着花，花是很美丽的，但也看着像一种皮肤病或癌症，我有点喜欢这种张力。她的目光看向塔罗牌，但朝里的一面其实是镜子，所以她看的是自己的反射；镜子的形状又有点像手机，而我发现在中国，很多人都把手机当成镜子在用。这些细节就像是电影海报中的彩蛋，需要时间才能显现出来。
太阳的符合也有两面性，它一方面非常乐观积极，人们从太阳中获取能量和维生素D；但是太阳也有大量有害的辐射，于是花朵吸收了太阳的能量，产出了皮肤上的麻风病。
日落大道66号展览现场
界面文化：你的许多作品让人想到一种广泛的人类处境，比如《旅程》中海上逃难的移民、《神曲》中在地狱火海中奔跑的男孩。你是在试图表达一种警告吗？策展人鲁明军认为你描绘的“与其说是神话世界，不如说是我们身处的绝望境地”，你认同他的想法吗？
简明： 老实说，我是一个很悲观的人，觉得前景荒凉无望。但与之形成对比的是，我的创造力让我充满希望——可能“充满希望”这个词不太恰当，但是总之，它代表了我生活中非常积极的一面。我喜欢创作、分享我的作品，它们也激励着很多人去创作，人们喜欢看我的作品，这也给了我快乐。
我不会说自己的内心状态毫无希望，因为希望坐落于不断的创作中，以及作品中自然呈现出的叙事之中。好的作品也总是苦乐参半的，对不对？美总是带着某种忧伤，但我认为这就是艺术创作的诗意所在。
界面文化：最后我想知道，在像你这样高产的职业生涯中，毫无疑问需要投入极多的注意力，在工作之外，你的注意力会被什么吸引？二十年前刚入行与现在吸引你的东西发生了哪些变化？
简明： 我必须承认自己是个工作狂，我没什么其他爱好，但是工作真的帮助我远离了那种荒凉的、没有归属的感觉。我从不觉得自己很会社交，也不太参加很多派对，所以才埋头于工作。但是随着年龄的增长和自信心的增强，我发现自己也没那么不正常。我只是很沉迷于创造图像，旅行的时候，我也会拍很多很多照片，我还能用很快的速度编辑照片。
我以前倒是玩过音乐，现在也还在玩，我喜欢即兴弹钢琴，虽然弹得不好。有时发布新作品时，我会为发布视频创作一首歌。最近我还为工作室添置了一张乒乓球桌，灵感来自于去年夏天在日本某家画廊里，跟一群艺术家打乒乓球的经历，我发现当人年纪大了，都会开始喜欢打乒乓球。
上学的时候，我很幸运地在短时间内学到了很多东西，不过尤其喜欢的还是图像。在我以前的网站上，还有一个叫做”图像公约“的口号，它是一种有点保守的、看待图像的方式，而吸引我的始终是经过深思熟虑的有趣构图，不管是15世纪的蚀刻版画，还是香港摄影师何藩的作品。我希望在非常传统的构图和叙事方式之中、创造出的新东西，这也是一种挑战，因为如今许多艺术家都想摆脱这种束缚，但我仍然欣赏古老传统的图像制作方式。
拼贴插画作品-如何把拼贴艺术运用到平面设计中?
当下最红、最引人注目的时尚插画在此！当红时尚插画师HelenDownie作品
时尚插画作为元老级视觉传达媒介，在新时代不仅没有停止发展，更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品，你知道几个？
时尚插画的黄金时代
早期，时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说，那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。
HarpersBazaar杂志封面
时尚插画与时尚品牌的碰撞
到了数码时代，摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结，但时尚插画行业并未因此沉睡，而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚插画与时尚品牌合作，便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌，经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是，这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇，她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似，让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
HelenDownie作品
虽然已是一位母亲，但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛，奇特又充满童趣。
HelenDownie作品
然而，这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前，此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海，凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现，实属罕见，所以当艺术墙面的图片一发布，立刻就引起了网络上的一阵骚动。
AlexMerry作品
除此之外，Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖，让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面，观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出，时尚插画的风格早已不再单一。
AlexMerry作品
说起时尚插画与品牌的跨界合作，那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上，品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作，可见他作品的受瞩目程度。
JamesJean与OliverSchrauwen作品
此次，JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品，就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时，作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格，与Prada未来感的时装风格相结合，显得相得益彰。
JamesJean作品
同年在Prada的女装秀上，品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师：StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外，还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时，也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。
时至今日，时尚插画作品早已不再墨守成规，只要你愿意动笔，人人皆可创作出属于自己的插画作品。
GraceCoddington作品
先锋时尚插画
除了与时尚品牌跨界合作外，还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时，将时尚插画的绘画形式进行延展、探究，揣摩出了自成一派的风格。
先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条，与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出，他一直奉行着现代主义的美学理念。
VelwynYossy作品
而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合，用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大，赋予了静态为主的时尚插画几分动势。
ErnestoArtillo作品
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上，而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说：“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样，我会寻找当中的平衡，也会找寻怎么可以打破现有的状态。”
ErnestoArtillo作品
纵使时尚插画的黄金时期已逝去，但不可否认的是，时尚插画依然在时尚领域占有一席之地，并同时饱含极高的艺术价值。
时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业，而当下受到追捧的插画作品的不断涌现，更是增添了时尚插画继续前行的可能。
JamesJean时尚插画作品
了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品，大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡，也许就是你。
精彩回顾：
[编辑、文/陈卓]
插画师_nya_vdokimova_淖髌沸郎头窒硪蛔椴寤AnyaEvdokimova的作品。整组作品是插画师根据韦利米尔·赫列勃尼科夫的戏剧《死亡的错误》所创作的（韦利米尔是俄国的诗人、剧作家，也是俄国“未来主义”的代表人物）。在作品中，“死亡”被具象为一个女人，讲述了她遇到的13个客人的故事。插画师说，自己在创作时参考了俄国的文化、建筑、服装等，想设计出一个和大家认知中所不同的“死亡”的形象。那么看看这组作品吧，插画师采用手绘和绘画软件相结合的方式，画面很有拼贴感，还有丰富的肌理。沉郁的主色调并不让人觉得害怕，反而能把看画的人带入一个充满想象力的怪奇世界。在黑白灰之外，插画师用不同深浅的蓝和红色增加了画面的细节，整组作品风格统一，给人很棒的视觉享受。如何把拼贴艺术运用到平面设计中?Part1发展轨迹说到起源，拼贴最早是立体主义艺术家提出来的观点并被正式确认。经由立体主义、达达主义、超现实主义等流派的不断尝试和演变下，拼贴手法以全新的姿态出现在现代设计作品中。在艺术形态千变万化的今天，人们的视觉感受也越来越丰富。拼贴设计，以它断裂、重组、融合等独特的风格表现，逐渐被接受并运用，从而拓宽了其表现的空间。Part2拼贴手法下面从一些拼贴作品的设计特征、拓展运用等几个方面对拼贴的艺术形式进行了解，并发掘其中审美价值。关键词：剪贴画、点线面、重复、波普众多时尚杂志以拼贴的剪贴画形式，以及结合点线面，色块，重复，平衡，波普等元素的运用，为他们一贯的平庸加入了另类的活力。关键词：复古、混合风格这组塞尔维亚插画师Becha的作品，利用拼贴画与时尚摄影组合而成的画面呈现出浓厚的混合风格。创意天马行空，用色大胆鲜艳而复古。关键词：断裂、重构、超现实包含多种元素的断裂、重构的拼接手法。极具抽象艺术的表达方式超脱现实却合乎基调。Part3实际运用BB了以上，接下来带来一些拼贴手法与平面设计结合的具体运用实例方法，希望能给大家提供借鉴和启发。需求背景：需求背景是为京致衣橱应用商店做介绍图，整体需与衣橱618大促风格相符，并体现大促热闹氛围。想一想：根据活动主题和想要用到的表现形式，可衍生以下关键词：步骤解析：那如何在以上元素信息繁多的情况下做到主体清晰和整体感呢?我们从空间、变化、形式感3个方面分步说：第一步：空间1.版面划分首先，需要将版面内容划分成几个区域，之后可以按照排整布局和关键词去寻找模特及产品等。再对元素进行角度、位置、大小的调整。通过对外边缘加了白色边框，并在留白处加了点缀性元素进行画面的平衡，会有在平面中衍生空间的感觉。2.版式布局在手机端的专题界面排布中，用户所面对的空间可视范围较小，因此要创造出直观的用户体验。文字与元素采用垂直水平构图，能把信息层级罗列得更为规整和明确。以版面中心点开始向外扩张，让用户的视觉关注点聚焦到中间从上往下浏览，从而提高用户体验及讯息传递效率。第二步：变化文字区域通过字体、对齐、大小变化、颜色区分的方式让视觉层级更加清晰。第三步：设计元素及运用手法以下几张参考是与拼贴与大促活动的范例，我们从中分析其元素构成及设计手法：1.元素提取基于服饰风尚潮流和拼贴独特风格表现的共通性和主题性，可从以上相似风格参考中提取以下主要元素：2.设计手法由以上例子中归总出三个可复用的处理方式：a.渐变撞色。b.几何形运用。c.元素自由形排版。3.颜色选择饱和度高的颜色更容易受到关注，因此大促主题类的用色会更偏向饱和度高的暖色。4.综合得出以下几点a.素材搜寻及组合在保持主体突出和版式稳定性的情况下，以所提取元素关键词找到匹配主题风格的素材:加入不同材质但符合主题的元素，使画面更具主题效果和趣味性，能够很大程度提升页面的丰富度。并对其以组合分离、断裂、重构的拼接手法合理排布去烘托主题，让画面更具张力。最后以小几何形作为辅助，让人物组合层次更加生动。b.色彩运用考虑到本次主题活动的特性，画面具体色调选定如下：背景色利用渐变撞色来激发情感和感官元素，突显大促的火热氛围。而大渐变的形式会给整体营造一些远近层次的空间感。c.细节优化细节部分利用光影、撞色渐变、几何元素修饰，让人物组合层次更加生动，从而丰富画面的主题性。最终效果：Part4综述在拼贴中技术和艺术是相辅相成的。观者首先会因为作品本身的视觉冲击力被吸引，但真正的震撼力还是来自于作品中所传达的艺术情感思想。艺术来源于现实。而拼贴是用想象去超越了现实，带给我们更加多元化，新颖有趣的视觉艺术。注释：1.立体主义：运用木纹纸、报纸、墙纸等材料拼贴出不同的块面，将表现具象的物体与画面本身抽象的艺术形态相结合，成为立体主义时期标志性的绘画方式。2.达达主义：照片拼接法为达达主义典型的创作手法，把照片剪一剪，戏剧性地粘贴在一起，不同的色彩肌理相互交叠，使画面变得复杂化。3.超现实主义：超现实主义在达达主义对拼贴手法的深入推广下，继承了达达主义将现成品融入作品的表现方式，但更注重物质本身色彩与质感的协调。versace插画师的作品-当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？
范思哲的大事记GianniVersace(詹尼·范思哲)的作品以希腊神话里的“Medusa蛇发女妖美杜莎”作为精神象征,服饰上的鲜艳色彩,灵感则是来自于希腊、埃及、印度等古文明。在詹尼·范思哲在世的最辉煌的年代,他曾是世界上市值最高的服装公司,戴安娜王妃曾是其最忠实的拥趸,大师逝去,连直接竞争对手瓦伦蒂诺和阿玛尼也来到他的葬礼,他无愧是上帝派来人间的设计师,只可惜一切都定格在时光里。
1972年,年方25岁的詹尼·范思哲移居米兰,他为Callaghan公司、Genny公司、和Complice公司设计了首批成衣系列。
1975年,他为康普利斯(Complice)公司举办了他的第一个皮衣展。
1978年3月28日,他在米兰的永恒大厦举办了他的第一个有他自己签名的女装展示会(GianniVersaceDonna)。
1979年,一直对品牌形象倍加关注的范思哲开始了与美国摄影师理查得.艾维登(RichardAvedon)的幸运的合作。
1982年,在年度秋冬女装展中展示了著名的金属服装“Oroton”,从而在“ParisOpera”大放异彩,这成为他的时装的一个经典特征。
1987年3月31日,毕加特在斯卡拉剧院上演的《列德与天鹅》,范思哲还为这部芭蕾舞剧设计服装。
1983年,詹尼·范思哲首度荣获“全球最具创新与创意的男设计师”CuttySark“奖。(1988年他再度获得此殊荣)
1985年,詹尼·范思哲在维多利亚与艾伯特博物馆举办其在英国的首个时装展,詹尼·范思哲因其对戏剧艺术的杰出贡献而获得银面具奖(SliverMaskAward)。
1986年,詹尼·范思哲因其出色的设计而荣获CommendatoreAward奖。同时范思哲十年创意回顾展在芝加哥菲尔德博物馆举行,詹尼·范思哲时尚镜头展在巴黎时装博物馆举行,时任巴黎市长的雅克·希拉克向詹尼·范思哲授予巴黎荣誉市民红色勋章,詹尼·范思哲是首个获此殊荣的设计师。
1988年9月,在马德里开张了一个600平方米的展厅,这是他在西班牙的第一家时装店。
1989年1月25日,在Gared’orsay举行的有密特朗夫人参加的晚会上,“AtelierVersace阿迪利亚.范思哲”(高级定制以及专业培养高级时装模特的工作室)宣告成立。
1990年4月,范思哲在纽约的麦迪逊大厦开张了他的第二家时装店,这也是他在美国的第十一家店。
1991年3月,“Versus”香水推出。年底,詹尼·范思哲尽遣名模在T台上演绎他的1991/1992秋冬系列,“超模”现象由此大热。
1991年6月,“Signature”范思哲正装推出。
1992年,詹尼·范思哲为当红歌手EltonJohn的世界巡回演唱会设计服装以及专辑封面。
1993年,两种新的香水:Red和Jeans向世界推出。同年詹尼·范思哲于纽约被美国时尚设计师协会CFDA授予首个美国时尚界的大奖---CFDA大奖。
1994年,在柏林著名的Kurfurstendamm开了一家600平方米的服装展厅。同年,伊丽莎白·赫莉身着范思哲扣针晚装出席休·格兰特主演的电影《四个婚礼和一个葬礼》的首映式。
1995年,首个范思哲时装展在纽约举行,詹尼·范思哲被授予VH1时尚及音乐大奖,以表彰其对时尚和音乐的贡献。
1997年7月15日Versace在美国迈阿密自宅前,遭歹徒枪杀身亡(美国连环杀手AndrewCunanan杀害,此人为FBI十大通缉犯。同年8月在迈阿密自杀)。一同设计副品牌VERSUS全系列商品的亲妹妹DonatellaVersace接管范思哲品牌,并出任设计总监,二人的大哥圣托则一揽行政总裁(现为Versace集团主席)的大权。而公司的继承人则是多纳泰拉的女儿阿莱格拉,拥有公司50%的股份。
当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师
也是时尚的最佳代言人
大卫.唐顿DavidDownton,
1959年生于伦敦。
从孩提时代开始,
对他最好的款待就是一大页白纸。
然而,
大卫没有想到的是,
很久以后他可以依靠画为生。
▲大卫.唐顿年轻时在画画
▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。
▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。
大卫最初学习的是平面设计专业,
他的第一幅作品是20世纪80年代早期,
为WhichComputer杂志设计的封面。
▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。
▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。
曾有15年时间,
大卫一直是自由职业插画师。
无论有什么事情发生,
他都很享受这种自由插画师的生活。
▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。
▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。
▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。
▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。
大卫的作品线条简洁流畅,
很有质感,风格也不矫揉造作,
可以很好地展现出人体的优美体态。
因为这种独特的绘画风格,
有一些人开始邀请他制作时装插画。
其中,就包括
85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,
她也是大卫的缪斯之一。
▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。
▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!
▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。
他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、
Eric这些艺术家心存景仰。
因此,
在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。
1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,
1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。
最开始他眼花缭乱完全没有准备,
但是,
巴黎时装秀实实在在地,
激发出一个艺术家的灵感。
巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。
而这里的一切都让人神魂颠倒。
在模特走秀的时候,
大卫从来不作画。
因为他发现那根本无法进行,
他仅仅是摄影或者在一旁观看,
并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。
他抓住其他的任何机会来画,
模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。
比如:试衣的时候,
有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...
▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。
大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”
▲草稿也动人
大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,
然后才是比例、颜色等一些细节,
然而,这一点是较难做到的。
▲草稿也动人
大卫画无数份的设计草样,
然后从中挑选出最好的,
画得差不多的时候他就开始剔除,
“分解—重建”它们。
他持续地画,
一直到它们看起来自然为止。
他为世界各地的知名媒体,
如《泰晤士报》《独立报》,
以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,
撰写时装的相关报道。
并在伦敦举行过三次个展,
在纽约也举行过一次个展。
近年来,
他还为香港的购物中心设计视觉图像,
以及为Vogue女性时装系列绘制插画。
▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。
▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。
▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。
▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。
▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。
▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。
▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。
▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。
大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~
要想功夫深铁杵磨成针～
想拥有超越别人之外的能力,
就要将能力修炼到极致!
当下最红、最引人注目的时尚插画在此！当红时尚插画师HelenDownie作品
时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?
时尚插画的黄金时代
早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。
HarpersBazaar杂志封面
时尚插画与时尚品牌的碰撞
到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
HelenDownie作品
虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。
HelenDownie作品
然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的图片一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。
AlexMerry作品
除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。
AlexMerry作品
说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。
JamesJean与OliverSchrauwen作品
此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。
JamesJean作品
同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。
时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。
GraceCoddington作品
先锋时尚插画
除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。
先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。
VelwynYossy作品
而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。
ErnestoArtillo作品
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”
ErnestoArtillo作品
纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。
时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。
JamesJean动态时尚插画作品
了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。
精彩回顾:
[编辑、文/陈卓]
服装女装插画-当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？
时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。
接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
一.时尚插画的开始
时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLadysMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)
时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。
到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。
三.二十世纪的时尚杂志和插图
二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。
在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《HarpersBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。HarpersBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔()创作的艺术品。
第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。
四.时尚插画的黄金时代
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和WomensJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。
五.时尚插画的毁灭与复兴
到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。
1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
六.今天的时尚插画
介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。
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当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师
也是时尚的最佳代言人
大卫.唐顿DavidDownton,
1959年生于伦敦。
从孩提时代开始,
对他最好的款待就是一大页白纸。
然而,
大卫没有想到的是,
很久以后他可以依靠画为生。
▲大卫.唐顿年轻时在画画
▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。
▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。
大卫最初学习的是平面设计专业,
他的第一幅作品是20世纪80年代早期,
为WhichComputer杂志设计的封面。
▲大卫.唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。
▲大卫.唐顿1998年为克里斯汀.拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。
曾有15年时间,
大卫一直是自由职业插画师。
无论有什么事情发生,
他都很享受这种自由插画师的生活。
▲大卫.唐顿1999年为让.保罗.高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特.摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。
▲大卫.唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。
▲大卫.唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。
▲大卫.唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。
大卫的作品线条简洁流畅,
很有质感,风格也不矫揉造作,
可以很好地展现出人体的优美体态。
因为这种独特的绘画风格,
有一些人开始邀请他制作时装插画。
其中,就包括
85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,
她也是大卫的缪斯之一。
▲大卫.唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门.戴尔.奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。
▲大卫.唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜.佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!
▲大卫.唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达.哈莉齐绘制的肖像。
他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、
Eric这些艺术家心存景仰。
因此,
在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。
1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,
1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。
最开始他眼花缭乱完全没有准备,
但是,
巴黎时装秀实实在在地,
激发出一个艺术家的灵感。
巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。
而这里的一切都让人神魂颠倒。
在模特走秀的时候,
大卫从来不作画。
因为他发现那根本无法进行,
他仅仅是摄影或者在一旁观看,
并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。
他抓住其他的任何机会来画,
模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。
比如:试衣的时候,
有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间...
▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。
大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特.摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”
▲草稿也动人
大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,
然后才是比例、颜色等一些细节,
然而,这一点是较难做到的。
▲草稿也动人
大卫画无数份的设计草样,
然后从中挑选出最好的,
画得差不多的时候他就开始剔除,
“分解—重建”它们。
他持续地画,
一直到它们看起来自然为止。
他为世界各地的知名媒体,
如《泰晤士报》《独立报》,
以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,
撰写时装的相关报道。
并在伦敦举行过三次个展,
在纽约也举行过一次个展。
近年来,
他还为香港的购物中心设计视觉图像,
以及为Vogue女性时装系列绘制插画。
▲大卫.唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。
▲大卫.唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。
▲大卫.唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。
▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。
▲大卫.唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。
▲大卫.唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。
▲大卫.唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。
▲大卫.唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔.万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。
大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~
要想功夫深铁杵磨成针～
想拥有超越别人之外的能力,
就要将能力修炼到极致!
当下最红、最引人注目的时尚插画在此！当红时尚插画师HelenDownie作品
时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?
时尚插画的黄金时代
早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。
HarpersBazaar杂志封面
时尚插画与时尚品牌的碰撞
到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
HelenDownie作品
虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。
HelenDownie作品
然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的图片一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。
AlexMerry作品
除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。
AlexMerry作品
说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。
JamesJean与OliverSchrauwen作品
此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。
JamesJean作品
同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。
时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。
GraceCoddington作品
先锋时尚插画
除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。
先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。
VelwynYossy作品
而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。
ErnestoArtillo作品
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”
ErnestoArtillo作品
纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。
时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。
JamesJean动态时尚插画作品
了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。
精彩回顾:
[编辑、文/陈卓]
